Le musée Madre de Naples est le seul lieu italien à accueillir la première rétrospective de milieu de carrière consacrée à Roberto Cuoghi (Modène, 1973), l'un des artistes italiens les plus énigmatiques, les plus mystérieux et les plus fascinants de sa génération. La pratique artistique de Cuoghi réunit les qualités sculpturales et compositionnelles des arts visuels et les qualités scéniques et narratives d'un artiste et d'un conteur. Ses peintures, sculptures, photographies, installations, vidéos et films, œuvres sonores et performances uniques utilisent des techniques et des matériaux en partie non conventionnels, avec lesquels l'artiste expérimente souvent et qu'il réinvente même. Ils explorent les notions de simulacre et de symbole, de mémoire et d'immanence, de dévotion et de superstition, de transformation et de métamorphose (du corps, de l'identité, du langage et des formes mêmes de la représentation et de l'expression). Les références à l'antiquité et à l'histoire de l'humanité, bien que basées sur une recherche philologique et documentaire rigoureuse, sont également remodelées par l'artiste avec des résultats très idiosyncrasiques, dans lesquels les plans temporels, spatiaux et épistémiques se fondent les uns dans les autres.

L'exposition - conçue par Andrea Bellini et organisée par le Centre d'Art Contemporain, Genève (22 février-30 avril 2017) en collaboration avec Madre, Naples (27 mai-18 septembre 2017) et Koelnischer Kunstverein, Cologne (14 octobre-17 décembre 2017) - comprend environ 70 œuvres qui couvrent les vingt années de la carrière de l'artiste, de 1996 à 2016, en documentant et en analysant ses différents aspects.

Dès son titre absurde (généré par hasard suite aux effets erronés d'un programme d'autocorrection), PERLA POLLINA, 1996-2016 se présente comme une exploration des dynamiques inventives et productives adoptées par l'artiste. Elles sont marquées par une obsession ascétique, l'immensité de stratégies de recherche "tous azimuts". Dans la poursuite d'un résultat qui frôle l'impossible, ne pas savoir s'arrêter devient la condition préalable à l'invention de nouveaux formats d'expérience, de comportement et de connaissance, et donc à la création d'œuvres dans lesquelles ces stratégies de recherche sont poussées jusqu'aux limites de la reconnaissabilité des composants eux-mêmes ou des processus par lesquels ils sont conçus et créés. Connu pour sa légendaire transformation à l'âge de 25 ans en un homme de 67 ans, Cuoghi utilise son corps non pas comme un élément de performance mais comme un vecteur préliminaire pour les œuvres qu'il va réaliser. L'importance des processus anthropotechniques de préparation, d'organisation et de recherche, tout comme l'expérimentation perpétuelle, l'apprentissage processuel, la rupture systématique des règles et des codes prédéfinis resteraient des constantes d'une pratique artistique radicalement autodidacte. Il expérimente des matériaux et des techniques, invente des solutions originales et examine des méthodologies inhabituelles capables d'assumer et de faire face au plus haut niveau d'indétermination possible, puisqu'il est essentiellement basé sur le rejet d'une méthode. Un "faire sans savoir comment" nihiliste mais passionné, dans lequel chaque œuvre est comme la dernière, ou la première.

Un exemple est Il Coccodeista (1997), une série d'œuvres sur papier basée sur la décision de l'artiste de passer des jours à porter des lunettes dont les verres ont été remplacés par des prismes de Schmidt-Pechan qui inversent et renversent la vision, transformant la perspective de la réalité environnante et, par conséquent, la possibilité de l'enregistrer. Ou encore les journaux intimes liés à son expérience d'avoir laissé pousser ses ongles pendant 11 mois au point de ne plus pouvoir accomplir les fonctions les plus simples, comme l'écriture, tout en altérant sa perception tactile du monde qui l'entoure. Ou encore les séries d'Asincroni ("Asyncronies", 2003-04) et de "peintures noires" (2004-06). Dans la première série, l'artiste intervient de part et d'autre des feuilles de triacétate transparent qui se chevauchent, conservant chaque erreur ou changement afin de créer d'authentiques palimpsestes, semblables à la sédimentation géologique, d'un processus long et élaboré d'où émergent des personnages sombres et romantiques, ou des figures déformées et spectrales. Le processus est similaire à celui utilisé pour ses "cartes", dans lesquelles l'artiste expérimente la relation entre la coloration et la corrosion avec des effets qui fluctuent entre la transparence, l'opacité, la superposition et la lacération qui produisent une planète immergée dans une lente mais inexorable dérive dans le temps et l'espace.

L'artiste réfléchit également au vide interprétatif créé entre l'image que nous avons de nous-mêmes et l'image que les autres ont, comme le vide entre ce que nous sommes et ce que nous aurions pu devenir en prenant des décisions différentes. Impatient des interprétations de son travail faites par le système artistique, Cuoghi entreprend ainsi une série d'Autoritratti ("Autoportraits") qui restituent les variations potentielles de sa propre personnalité parmi de nombreuses incarnations possibles : un jeune gangster, un enfant gâté, un intellectuel prétentieux, le fondateur d'âge mûr et corpulent de la fabrique de cigares Dannemann. Le scepticisme de Cuoghi à l'égard du système artistique, voire son aversion pour celui-ci, se manifeste également dans une série de Ritratti ("Portraits") d'artistes, de critiques, de conservateurs ou de collectionneurs (ces derniers réalisés sur commande) que l'artiste dépeint, avec un esprit punk irrévérencieux, couverts de blessures, d'ecchymoses, de mutilations, voire avec une tête coupée ou comme des corps putréfiés à moitié enterrés dans la terre, finissant par devenir méconnaissables.

L'un de ces portraits est celui du collectionneur grec Dakis Joannou, peint comme un bas-relief de la Renaissance, un stiacciato du XVe siècle dans lequel l'artiste, juxtaposant différentes époques et styles, utilise un mélange très personnel de pigments, de pâte à modeler, de cire, de petits objets et de cheveux humains, qu'il photographie ensuite, obtenant un résultat surprenant et presque unique dans l'histoire du portrait : l'image est photoréaliste mais imprégnée de mystère - dans un mélange dystopique de bien et de mal. Elle représente un généreux mécène dévoré par d'étranges désirs tridimensionnels, à côté desquels l'artiste place des reproductions d'instruments chirurgicaux trempés dans la pâte à frire et frits, qui rappellent le texte Il Tumore Liberato ("La tumeur libérée"), dans lequel Cuoghi décrit le cancer, les erreurs, les accidents et les exceptions comme des éléments clés de l'évolution de l'homme.

Après une étude approfondie de la langue et des rituels assyriens, l'artiste réalise depuis 2008 une série de reproductions de taille moyenne ou de grand format d'une petite statue-talisman représentant le dieu-démon Pazuzu dans laquelle Cuoghi explore le potentiel de chaque élément utilisé, comprenant non seulement des matériaux traditionnels comme le bois et la pierre, mais aussi des résines, des adhésifs, des solvants et même des vers et des bactéries. De même, dans les installations sonores Šuillakku (2008) et Šuillakku Corral (2014) - qui, avec Mbube (2005) et Mei Gui (2006), forment une véritable "rhapsodie de l'injustice" - Cuoghi parvient à recréer un possible chant liturgique de lamentation collective et d'affliction de l'ensemble du peuple assyrien au moment où il abandonne la ville de Ninive. Non seulement il propose une reconstruction possible de l'ancienne musique assyrienne, qui nous est totalement inconnue, mais il exécute également chaque son et reconstruit dans son studio chaque instrument de musique utilisé, sur la base d'une recherche iconographique scrupuleuse et de discussions approfondies avec des experts.Ces œuvres feront l'objet d'un séminaire organisé par Madre, en collaboration avec le Conservatoire de musique de San Pietro a Majella, pendant l'exposition. Parmi ses projets sculpturaux les plus récents, basés sur une préparation quasi performative similaire, Cuoghi associe une technologie 3D sophistiquée à des techniques de cuisson traditionnelles pour créer une invasion de crabes en céramique sur l'île grecque d'Hydra, où cet animal a disparu depuis longtemps (Putiferio, 2016, dont une large sélection de vidéos documentaires est projetée dans la galerie vidéo du rez-de-chaussée).

L’exposition présente et relie pour la première fois les principaux cycles des œuvres de l’artiste. Ils sont interprétés presque comme s'il s'agissait d'univers indépendants, de systèmes obscurs et fiévreux qui ne s'appliquent qu'à eux-mêmes, comme une langue qui, paradoxalement, n'était parlée que par une seule personne au monde. Comme l'écrit le critique et commissaire Anthony Huberman dans le catalogue accompagnant l'exposition : « Penseur radical, Roberto Cuoghi choisit constamment les combats difficiles. Face à la préférence de la culture occidentale pour le beau et le parfait, il choisit le mutilé et le déformé ; Face à la fascination de l’industrie de l’art pour le nouveau, il choisit le démodé ; face à notre respect pour ceux qui ont survécu, il choisit de célébrer ceux qui ont disparu. L'exposition sera accompagnée de la première monographie rétrospective consacrée à l'artiste (Hatje Cantz, édition internationale en anglais). Le catalogue, d'environ 500 pages et doté de nombreuses illustrations en couleurs, comprendra des essais inédits d'Andrea Bellini, commissaire de l'exposition à Genève (et, avec Andrea Viliani, co-commissaire de l'exposition à Naples), et des textes d'Andrea Cortelessa. , Anthony Huberman, Charlotte Laubard et Yorgos Tzirtzilakis, et un entretien entre l'artiste et Andrea Viliani, ainsi qu'une bibliographie et une chronologie complètes.

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